jueves, 9 de marzo de 2017

El Gallo 1938 Pablo Picasso


Una pintura que me interesa mucho es una pintura de Pablo Picasso.  La pintura se llame El Gallo y Pablo Picasso la pintó en 1938. Originalmente el color de El Gallo me arrojé, pero cuando yo pasaba más tiempo con la pintura vi otros aspectos emocionantes. El cuadro es en un estilo abstracto, pero no es tan abstracto que no puede entender la tema o sujeto de la pintura.

Cuando Pablo Picasso pintó esta pintura, España era en una guerra civil y la mayoría de la gente estaba triste porque había mucho violencia y corrupción. Cuando yo leí más sobre Pablo Picasso yo di se cuenta de esta pintura realmente es una pintura triste.


A pesar del uso de colores vivos este gallo no es contento cual era más obvio cuando yo vi otras pinturas. Pablo Picasso pintó gallos en muchas ocasiones, pero hizo una serie después de la guerra civil y esta serie es muy diferente que el cuadro en 1938. En las pinturas más tardes los gallos pueden extender sus alas, pero en la pintura yo escogí el gallo parece atascado con alas cerrados. También yo puedo ver la tristeza en la expresión en la cara del galo. La boca del gallo es abierta y parece como el gallo está gritando para ayuda. Yo pienso que la mejor parte de esta pintura es yo puedo usar otras obras de arte del mismo artist para comparación. 

Serena Martinez

"The Old Guitarist" Pablo Picasso

Soy de Chicago, y el instituto de arte de Chicago es algo en lo que nuestra ciudad se enorgullece. La profundidad de las pinturas y la historia dentro del edificio son indescriptibles. El verano pasado fui al museo y puedo recordar muy vívidamente el famoso "The Old Guitarist" de Pablo Picasso. La pintura capta la atención de los espectadores con las tonalidades de azul y las figuras oscuras pero simples que lo componen.
Pablo Picasso creó esta pintura al óleo en 1903 y se considera que es un estilo de su llamado el período azul. Este período azul, que duró tres años del arte de Picasso, se atribuye a muchas de sus circunstancias de vida. Su amigo más íntimo y compañero de habitación se suicidó, él era bajo en dinero, y él se movió a París lejos de su familia y casa. Mientras que estos acontecimientos de la vida eran trágicos para Picasso, él creó las figuras melancólicas en color azul profundo que son renombradas por todo el mundo hoy.
Al mirar esta pintura en el Instituto de Arte de Chicago, mi atención fue seguramente atrapado. Esta pintura envoca emoción de dolor y tristeza al espectador. Los detalles se manipulan pero se mezclan con el ojo humano. La pintura de "el viejo guitarrista" representa un período trágico en la vida de Picasso, pero sigue siendo una de las pinturas más renombradas jamás creadas. 

 -Betsy Bennett

El Museo de Arte Contemporáneo al Aire Libre de Aracena


Lloviznaba cuando nuestro autobús llegó a Aracena, y las casas blancas del pueblo estaban en silencio, las calles vacías, el famoso Castillo-Iglesia de Nuestra Señora de los Dolores, que se surge en una colina por encima del centro de la ciudad, estaba envuelto en la niebla. Sin embargo, el encanto y la belleza del pueblo, ubicado en la provincia de Huelva, en la Sierra de Aracena, era evidente, y cuando mi compañeros fueron a tomar un café, me paseé por las calles del centro.
Inmediatamente encontré la Ermita de San Pedro, una iglesia pequeña de estilo mudéjar del siglo XVI. Sin embargo, lo que más me interesaba eran las muchas esculturas en las calles estrechas y plazas pequeños alrededor de la ermita. Grandes y pequeñas, abstractas y realistas, pronto aprendí (de un pequeño cartel fuera de la ermita) que son partes de un "museo de arte contemporáneo al aire libre" (MACA) de Aracena. Inaugurado en 1986 con la ayuda de un escultor local Pepe Noja, el museo consiste de más o menos 50 esculturas, ubicadas en parques y calles por toda la ciudad. Según el cartel, Aracena era la primera ciudad en Andalucía a crear este tipo de museo, con el objetivo de ser el más grande de su tipo en España. Una exposición permanente, cada una de las esculturas sirve como un señal y una memoria de un acontecimiento, y hay una gran diversidad de procesos, formas, materiales y artistas, con esculturas modeladas de piedra, bronce, aluminio, hierro y cerámica.
Mientras que había muchas esculturas interesantes y hermosas, encontré mi favorita justo al lado de la Ermita de San Pedro. Realizada en bronce, representa a dos niñas, mucho más pequeñas que el tamaño natural, que están de pie sobre un pilar de cemento cuadrada frente a una pared blanca y sencilla de la iglesia. Una vestida con una camiseta simple, la otra en sólo su ropa interior, una frente a la otra, pero las dos mirando hacia el suelo, sus estómagos empujadas hacia delante, sus cabellos atados con cintas, sus pies desnudos. Tienen expresiones solemne y tristes y sus ojos son abiertos pero llenos de pena. En la lluvia, parece como si las gotas de lluvia fueran lágrimas en sus rostros. Mientras que no tengo ni idea de quién es el escultor, ni quienes son estas chicas, ni que es su historia, la sencillez y la emoción de la escultura, combinada con el tiempo y el entorno, era convincente y impactante.

Lo que más aprecio sobre la MACA de Aracena es su accesibilidad. Las bellas artes a menudo se pueden sentir exclusivas o separadas del “mundo verdadero”, guardadas en museos o iglesias, por lo general dentro de sitios urbanos, separadas de pueblos pequeños y rurales. La profesión de arte es muy competitiva, y ser un artista contemporáneo  en este mundo actual es increíblemente difícil, a menudo requiriendo mucho dinero, muchos recursos, y mucha suerte. Sin embargo, allí en Aracena, con una población de 7.814, el arte está disponible para todos en las calles, creando una conexión valiosa y accesible entre la vida rural actual y las bellas artes contemporáneas, así como proporcionando una plataforma de oportunidades para escultores contemporáneos, locales y desconocidos.  



miércoles, 8 de marzo de 2017

Francisco de Zurbarán: Santa Casilda


Cuando fui a Madrid hace tres semanas, visité al Museo Thyssen-Bornemisza—un museo de una colección privada con una multitud de obras magnificas. “Santa Casilda,” una de las pinturas en la colección del museo, fue creada por Francisco de Zurbarán cerca de 1635 y se piensa que perteneció a un monasterio en Sevilla antes de la ocupación de España por los franceses. Zurbarán nació en Extremadura pero vivió en Sevilla por mucho tiempo más tarde en su vida gracias a un contrato que consiguió con la orden dominica de San Pablo el Real en la ciudad. Era un amigo de Velázquez y uno de los pintores españoles más importantes de su tiempo: se llamaba “El Caravaggio español” porque tenía tanto talento para el claroscuro, una técnica que Caravaggio perfeccionó. “Santa Casilda” muestra claramente la influencia que Caravaggio tenía en el trabajo de Zurbarán, gracias a su uso de luz.


Esta pintura es una representación de la Santa Casilda, una figura con una historia muy interesante. Era una hija del rey islámico de Toledo, pero se convirtió en cristiano en secreto. Solía traer comida a los prisioneros en la cárcel de su padre, y cuando alguien le atrapó, la comida se transformó en flores. Este es el momento que captura el imagen—se puede ver las flores en la mano de la santa. Entonces, la pintura es un tipo de propaganda con la meta de mostrar la supuesta bondad de la iglesia católica. Es necesario recordar que durante la época en que vivió Zurbarán, el barroco, había una crisis en la iglesia católica: la reformación protestante. El estilo barroco, un estilo lujoso y dramático con un enfoque religioso en los santos y en la virgen María, se creyó para contrastar con la reformación, que enfatizó la simplicidad. Zurbarán fue especialmente conocido por sus pinturas de figuras religiosas, como monjes y mártires, y entonces sus obras funcionaban como publicidad o marketing para la iglesia.

-Catherine Lacy

San Basilio dictando su doctrina



Francisco de Herrera el viejo era un pintor y grabador del Siglo de Oro. Francisco de Herrera nació en Sevilla entre 1576 y 1590 (el año exacto es incierto) y murió en Madrid en 1656. Algunos fuentes lo hacen discípulo de Francisco Pacheco y un maestro de Velázquez por unos pocos meses. El padre de Francisco de Herrera era un pintor, y el hijo de Francisco Herrera, Francisco Herrera el mozo, era un pintor y arquitecto. 
En torno a 1614 se conocen sus primeros contratos. En 1616, estaba comisionado por el Convento de San Francisco de Sevilla a hacer una serie de pinturas. Se convirtió en uno de los pintores más estimados de Sevilla y fue comisionado para todo tipo de pinturas. Es muy aclamado por su estilo naturalismo, dinámico y vigoroso,  y se considera un pintor de transición desde el Manierismo hasta el Barroco.

Cuando yo estaba en Paris, fui al Museo nacional del Louvre y vi “San Basilio dictando su doctrina” por Francisco Herrera el viejo. Estaba muy impresionada con las caras y con la fuerza de la pintura. Fue pintado en 1639, un cuadro que le encargaron los monjes basilios de Sevilla. El composición de esta pintura mantiene su estilo de manierismo. Sin embargo, esta pintura es muy conocida por su transición al estilo Barroco. Los personajes de gran tamaño, los colores fuertes, San Basilio en el centro con su presencia dominadora,  y el acusado dinamismo habla de la grandiosidad del estilo Barroco.  

martes, 7 de marzo de 2017

San Jerónimo Penitente de Juan Martínez Montañés

San Jerónimo Penitente



Este escultura es “San Jerónimo penitente” de Juan Martínez Montañés. Es una copia del mismo retrato de un escultor italiano (la imagen a la derecha para comparación), Pietro Torrigiano y Juan Martínez Montañés lo hizo cien años después. Las dos son muy similares, pero hay algunas diferencias en apariencia. En primer, la ropa de San Jerónimo es roja en la escultura de Juan Martínez Montañés y es blanca en la de Pietro Torrigiano. También, la escultura de Juan Martínez Montañés es más dramática y hay más sangre en el cuerpo de San Jerónimo. Pero, la gran diferencia entre las dos esculturas es la escultura de Pietro Torrigiano es de cerámica y la escultura de Juan Martínez Montañés  es de madera. Todas las esculturas de Juan Martínez Montañés son de madera y fue como ‘el dios de madera’. Cuando fuimos al Museo Bellas Artes, vimos la escultura de Pietro Torrigiano, pero la escultura de Juan Martínez Montañés es en el convento de Santa Clara en la provincia de Badajoz. Las dos esculturas tienen mucho detalle y son anatómicamente correctas y muy impresionantes. En las esculturas, San Jerónimo está mirando a una cruz mientras se golpea con una piedra porque él quiere sufrir como Jesús.

Juan Martínez Montañés nació en un pueblo de Jaén; este pueblo está en las montañas y es porque su apellido fue ‘Montañés’. Se mudó a Sevilla porque fue una ciudad más rica y con más oportunidades de trabajo. El vivió en los siglos XVI y XVII, en las dos épocas de Renacimiento y Barroco. Casi todas las obras de Juan Martínez Montañés tienen un tema religioso porque sus clientes mayores fueron las iglesias católicas. Juan Martínez Montañés hizo algunas de las esculturas más importantes de Sevilla y la Semana Santa de Sevilla; entonces hay una escultura que está dedicado a él en la plaza del Salvador en Sevilla, en frente de la iglesia.


- Kellie Boyle