Amalio García del Moral: "La novia"

La semana pasada, visité el Museo del Pintor de Amalio García del Moral por segunda vez con mi grupo de interés de CIEE. Esta vez tuve la oportunidad de aprender más sobre el pintor Amalio García del Moral, y también pude ver pinturas diferentes de las que vi durante mi primera visita con nuestra clase. Durante esta visita, vi varias pinturas de Amalio que tenían que ver con cuestiones sociales que le preocupaban. 

Una de estas pinturas se llama "La novia" y representa una joven gitana en el día de su boda con una imagen de la muerte detrás de ella. Fue pintado en 1977 y representa la crítica de Amalio de la subordinación de las mujeres. Intenta demostrar que, según la sociedad, cuando una mujer se casa, es un momento de alcanzar su verdadera identidad como mujer. Sin embargo, para contrastar esto, Amalio quiere decir que es también el momento en que muere como sujeto de decisiones. Además de este cuadro, Amalio ha pintado varias otras obras con mujeres gitanas que representan la opresión femenina en varios aspectos de la sociedad; por ejemplo, Amalio también ha representado la pobreza femenina y el tratamiento de las mujeres como objetos en una pintura se llama "Pobre desmontable".

-Samantha Freres

Francisco de Zurbarán

     Francisco de Zurbarán fue un pintor de España en el siglo XVI. El nació en Fuente de Cantos, Extremadura en 1598. Fui a Sevilla en 1614 cuando tenía 16 años porque su padre quería a él estudiar con el pintor Pedro Díaz de Villanueva. Zurbarán era un pintor con muchas habilidades. En 1626, el monasterio dominicano solicitó a Zurbarán para veintiuno pinturas en ocho meses. Las pinturas eran religiosas y la mayoría eran del santo Domingo. Hay catorce pinturas de Santa Domingo en esta colección. Después de esta colección, Zurbarán tenía mucho éxito. Los Mercedarios de Sevilla le pidió a hacer veintidós pinturas para su monasterio, y Zurbarán mudó a Sevilla permanentemente.

     En sus pinturas, hay influencia de Velázquez, Montañés, y Juan Sánchez Cotán. Es posible que la pintura más famosa de Zurbarán se llama “Cristo en la Cruz”. En esta pintura, es evidente la influencia de la época barroco. Es muy realista, seria, y religiosa. Hay claroscuro. La mayoría de la luz está en al lado del cuerpo de Cristo. La fabrica de la ropa es muy suave y realista. La pintura de las telas eran su especialidad. Los musculos de Cristo son claros y tensos. No hay nada en el fondo y por eso el foco está en el cuerpo de Cristo, enfatizando el aspecto religioso. El estilo de Francisco de Zurbarán cambió mucho durante su vida y él fue influenciado por muchas pintores famosos. Él murió en 1664 en Madrid.

Un autoretrato 

"Cristo en la Cruz"












Morgan Hazel

Dolorosa

Esta pintura, hecha por el pintor Amalio García, pertenece a la colección "Apostolado Proletario," de los años setenta. La colección presenta una variedad de hombres y mujeres gitanos y obreros urbanos y rurales quienes expresan un carácter humilde, seria, callada y pensativa. Ellos pertenecen a una clase que no ofrece posibilidades de mejoramiento. Esperanza es una de esas personas. Ella representa a las mujeres de Andalucía durante los principios de los años ochenta. Amalio capta los sentimientos de Esperanza en varias de sus pinturas. Amalio pinta varias Esperanzas como “Perfil”, “La Pena”, “Oscura soledad en el paisaje” y, “Dolorosa”. En cada una de sus pinturas, Esperanza nunca dirige su mirada hacia al frente. La mirada de Esperanza expresa el peso de los años y demuestra a una mujer cansada de la vida. Detrás de Esperanza se encuentra la Virgen Dolorosa, por la cual se le ha dado el nombre a la pintura, "Dolorosa". Tal como la Virgen perdió a Jesús en la cruz, Esperanza también perdió a uno de sus hijos.
Me gusta mucho la pintura de Esperanza porque miramos otro lado de Amalio. Muchas personas conoce a Amalio por sus 365 Giraldas, pero Amalio no solo pintó las Giraldas. Como lo demuestra esta pintura, Amalio también pintó los sentimientos de las personas quienes no podían expresarse por sí mismas. También me gusta como esta pintura es muy realista. Esperanza me recuerda mucho a mi abuela. Aunque Esperanza se mira muy triste, su mirada también me deja saber que hubo un tiempo en donde ella era feliz. Esta pintura se encuentra en el museo de Amalio.
-Karina De Leon

Ghost por Kader Attia

Cuando fui a Málaga, estaba muy emocionada para el museo de Picasso. Pero me impactó inesperadamente una escultura en el museo Pompidou de Málaga. La obra “Ghost” por artista argelino Kader Attia es de las figuras de 140 mujeres musulmanes rezando hecho por aluminio. Están de rodilla como si fueran en una mezquita, todas hacia la misma dirección aunque en el museo quizás no es la dirección de la Meca. La figuras anónimas de las mujeres me hicieron sentir que desde atrás cuando no se ve las caras, las figuras huecas se parecen personas reales. Tienen una presencia fuerte con cada espalda, hombro, y cabeza mostrando emoción. Parecen tristes, con la espalda con mucha curva como si sintieran avergonzadas o en peligro.  Es claramente arte contemporánea, con el uso de aluminio, el tamaño muy grande de la obra, y el tema político de la obra.

También, es una obra un poquito irónico porque representa figuras humanas de una manera y en el Islam representar a personas está prohibido. Pero, evita de romper este principio porque solamente representa las formas de las personas sin representar la cara o partes del cuerpo. Solamente hay las partes del cuerpo en que sería ropa, y así evita romper este principio.

Con mi interés en inmigración y derechos humanos esta obra me hace pensar de la situación imposible de muchas personas en el Norte de África y en el Medio Oriente, como refugiadxs en la definición clásica y refugiadxs específicamente económicxs, y de la situación de prejuicio contra musulmanes por toda Europa y los EEUU. Me ha encantado esta obra porque creo que muestra la humanidad y el sufrimiento de personas reales, y cómo puede ser cualquier persona quien sufre por razones de identidad fuera de su control. Es una obra en esta época muy importante.

Louvre-Murillo y Velazques

El fin de semana pasado viajé a París, Francia. Mientras allí visité el museo del arte del Louvre, que tiene una de las mejores colecciones del arte en el mundo. Lo que era particularmente interesante estaba viendo algunas pinturas españolas que estudiamos en la clase. Mirando pinturas en un proyector es una gran manera para aprender, pero verlos en la persona es asombroso. Algunas pinturas que vi eran la Cena de las Angeles, el Joven Mendigo por Murillo y el niño Maria por Velasquez. Ya sabía sobre los pintores y el significado de las pinturas, entonces era capaz de mirar algunos puntos más finos de las obras. También era capaz de explicar los cuadros a mis amigos que no eran familiares con los pintores o sus sujetos.

Mi favorito fue el joven mendigo. Era uno de Murillos pocas pinturas que no era religiosas. Podría ver el dolor y tristeza de la cara y el uso de claro oscuro nos enfocó en su cara. Era una gran experiencia y recomendaría muy ver las pinturas de la edad de oro españolas en la lumbrera.

Masacre en Corea

Masacre en Corea es una obra de Pablo Picasso pintó en 1951. Es un retrato expresionista de la intervención de los Estados Unidos en Corea en ese momento. Evidentemente, da una impresión de los opiniones políticas de Picasso como otras obras posteriores como el Guernica y La Violación de las Sabinas. Muestra la masacre de Sinchon de 1950 en Corea del Norte. Los hechos de lo ocurrido en Sinchon son polémicos, pero la pintura de Picasso muestra fuerzas anticomunistas matando a civiles inocentes. Esta obra es una reflexión de la pintura de Goya, El tres de mayo de 1808, donde los soldados de Napoleón están ejecutando civiles españoles.

Como esta otra pintura, Masacre en Corea se divide en dos partes distintas. Los soldados en la obra de Picasso son caóticamente organizados, que se supone para burlarse de la estupidez de guerra. Además, ninguna de los soldados desnudos tienen penes que podrían simbolizar que son destructores de la vida, con las armas en lugar de fertilidad. Esto es en contraste con la mujer embarazada desnuda a la izquierda. Esta obra reside actualmente en el Museé National Picasso de París. Yo estaba realmente impresionado por las formas humanas y la capacidad de Picasso para promover la paz en su arte.

-Erin Weaver

La Semana Santa increíble

Hacer una excursión por la ciudad de Sevilla para mirar la arquitectura y los detalles de la Semana Santa despertó un interés dentro de mí.  Sevilla es conocido por celebrar algunas de las procesiones más elaboradas para la Semana Santa.  Antes de la gira, he estado caminando pasado todas estas tiendas completamente ajeno a todas las alusiones y decoraciones de la Semana Santa. La Semana Santa es una gran cosa en España, y específicamente en Sevilla. Al mirar las fotos de la Semana Santa en línea, dentro de las pastelerías y en las tiendas de recuerdos, la figura que aparece una y otra vez es un nazareno vestido con una túnica y capa con engranaje en forma de cono.  El cono se sabe para simbolizar un aumento a los cielos como gradualmente conduce a arriba. Además, el casco es similar a la forma de cipreses que se utilizan en los cementerios españoles para levantar a los muertos a los cielos.  Mientras que muchas personas en todo el mundo se sienten incómodas con la figura de los Nazarenos, porque también se relaciona con la imagen del KKK, esto no debería ser el caso. La semana entera, los trajes y la producción están totalmente dedicados a Jesús ya la rama del catolicismo.  Estoy muy intrigado para abril 9-16 y ver todo lo que entra en esta semana especial para la iglesia española y la gente. La profundidad de la cultura española sigue sorprendiéndome cada semana, y Semana Santa seguramente no dejará de hacerlo.

-Betsy Bennett

Mujer con sombrero y cuello de piel

El fin de semana pasado visité al Museu Nacional d’Art de Catalunya en Barcelona y vi “Mujer con sombrero y cuello de piel,” una pintura cubista por Pablo Picasso. Fue creada en el año 1937 cuando Picasso estaba en Paris, y representa una de sus amantes—Marie-Thérèse Walter, la madre de su hija Maya. Su relación era un secreto porque Picasso también tuvo una esposa legal durante este periodo que se llama Olga Khokhlova, y ella no sabía de la infidelidad de su esposo. En 1935, Olga descubrió la relación y le dejó a Picasso para vivir en el sur de Francia con sus hijos. A pesar de todo, no hay ningún indicación de esta historia tumultuosa en el retrato

El sujeto, Marie-Thérèse, es la parte más interesante de la pintura, debido a su conexión con Picasso. La relación entre los dos empezó cuando ella tuvo 17 años y él tuvo 45 años, y duró aproximadamente ocho años (1927-1935). Marie-Thérèse no era solamente la amante de Picasso sino también un modelo para él: Picasso usa su imagen para una de las obras más importantes del periodo cubista, “Le Rêve,” (Francés, “El sueño”) y una variedad de otros retratos como “La Lecture” (Francés, “La Lectura”). Generalmente Picasso representa a Marie-Thérèse como una figura de luz y belleza—en este retrato en particular se ve una vitalidad y un sentido de juventud a través de los colores vibrantes y la sensualidad del modelo. Al mismo tiempo, la obra es un ejemplo muy indicativo del “estilo Picasso,” que combina el carácter distinto de su cubismo con el uso de color para crear el tono de la pintura. Es interesante comparar estos atributos con los retratos de Dora Maar, una otra amante que es el modelo para “La femme qui pleure” (Francés, “La mujer llorando”). Los retratos de Dora son casi todos oscuros y trágicos, con imágenes de ella llorando. Por eso se puede ver la habilidad que tenía Picasso para la expresión de la emoción en sus obras.

-Catherine Lacy